Ganadores del 9º Short Shorts Film Festival México

Ciudad de México, 10 de septiembre, 2014.- El 9.° Short Shorts Film Festival México (SSFFM) /Festival Internacional de Cortometrajes de México celebró su noche de clausura y premiación en donde se otorgaron 12 premios a lo más destacado del cortometraje nacional e internacional.

Love Steaks. Entrevista a Lana Cooper

Por Claudia Almanza Blix

@CINEMABLIX13

@CBlix

Entre las tantas cosas que sucedieron en las pantallas por el Ciclo  #13CineAleman del Instituto Goethe México, tuvimos la suerte de contar con la presencia en este país y durante las funciones de "Love steaks" a la actriz Lana Cooper, ala que Claudia Almanza Blix pudo entrevistar.

Lana Cooper en "Love Steaks", dirigida por Jakob Lass

Love Steaks

Claudia (Cl): ¿Cómo fue el proceso de hacer esta película que no tiene guión?

Fue libremente improvisada. Tuvimos 18 escenas pero no trabajamos en orden cronológico y también trabajamos como en fases. Había una fase que llamamos gato y ratón, en donde Lara trata mal a Clemens, y así varios tipos de fases.

Lana Cooper (LC): El personal del hotel lo tomó bastante bien aunque al principio estaban como intimidados, pero poco a poco les fue gustando trabajar con nosotros, nadie de ellos era actor, y todos se interpretaron a sí mismos por ejemplo el cocinero era cocinero en la vida real etc.

Cl: ¿Cuál fue la escena más difícil para ti?

LC: Es difícil de decir porque hicimos 80 horas de grabación, y después se redujo a 90 minutos. Para mí lo más difícil fue todo lo que tenga que ver con sentimientos: amor, abrirme yo misma, etc.

Cl: ¿Por qué le pusieron ese título a la película?

No sé bien. Pero puede ser porque muchos elementos se juegan alrededor de la carne: Él es masajista y Ella es cocinera y lo que no sé porque optaron por un título en inglés y no en alemán.

Cl: ¿Cuántos de los personajes estuvieron ya definidos antes del rodaje?

A mí lo único que me dijeron fue que Lara era alcohólica y estaba haciendo una práctica para ser cocinera.

Antes de la grabación yo practique en la cocina para saber dónde estaban los utensilios y también el director me preguntó con quien me había llevado mejor de la cocina para tener más escenas con esa persona.

Cl: ¿Este director siempre filma sin guión?

Sí, sólo trabaja sin guión con películas improvisadas.

#SelecciónOficial del 9º DOCSDF

Anuncia DocsDF su selección oficial competitiva

• Los documentales elegidos competirán por la codiciada estatuilla del Charro, la cual se entregará al concluir el festival.
• Los ganadores de cada categoría serán determinados por un jurado especializado, excepto Doctubre, cuyo triunfador es escogido por el público.

Ciudad de México, 4 de septiembre 2014.- El Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México (DocsDF) anunció las 70 películas seleccionadas para las categorías competitivas de su novena edición, que se llevará a cabo del 29 de octubre al 9 de noviembre de 2014.

 La selección oficial competitiva incluye obras de 30 países y está dividida en siete categorías: Largometraje internacional, Largometraje iberoamericano, Largometraje mexicano, Largometraje para televisión, Cortometraje internacional, Cortometraje mexicano y Doctubre (una red nacional de exhibición destinada a abrir nuevos espacios para el cine documental).

Los documentales nominados fueron seleccionados de entre más de 1 300 trabajos, que entre el 15 de enero y el 30 de abril de este año se inscribieron en la convocatoria para integrar la programación de DocsDF.

«Estas películas son una referencia de lo mejor del documentalismo de este año y el pasado,  ya que DocsDF es un festival que funciona en sus secciones competitivas por convocatoria, no por invitación», señaló el director artístico del festival, Pau Montagud.

Las 70 películas serán proyectadas en las doce sedes —en su mayoría gratuitas—  con las que contará el festival.

«Tenemos una programación muy variada, enfocada a la diversidad de narrativas y temáticas y con una calidad muy alta, que puede ser apreciada por todo tipo de público», comentó Rodolfo Castillo-Morales, coordinador de programación de DocsDF.

El resto de las películas que integran la selección oficial en las categorías no competitivas serán anunciadas durante la conferencia de prensa previa al arranque de la novena edición.

Los documentales seleccionados son:

Largometraje internacional 

• Ai Weiwei. The Fake Case de Andreas Johnsen (Dinamarca | 2013 | 86’)
• Die Arier de Mo Asumang (Alemania | 2013 | 93’)
• Happiness de Thomas Balmès (Francia, Finlandia | 2013 | 80’)
• Krov de Alina Rudnitskaya (Rusia | 2013 | 59’)
• My Name is Salt de Farida Pacha (Suiza, India | 2013 | 92’)
• Nowhere to Call Home. A Tibetan in Beijing de Jocelyn Ford (EU, China | 2014 | 77’)
• Return to Homs de Talal Derki (Siria, Alemania | 2013 | 90’)
• Songs of Redemption de Amanda Sans y Miquel Galofré (Jamaica, España | 2013 | 79’)
• The Auction House. A Tale of Two Brothers de Edward Owles (Reino Unido | 2014 | 85’)
• Two Raging Grannies de Håvard Bustnes (Noruega | 2013 | 78’)

 Largometraje iberoamericano 

• A Quiet Inquisition de Alessandra Zeka y Holen Sabrina Kahn (Nicaragua, Estados Unidos | 2014 | 66’)
• Asier ETA Boik de Amaia Merino y Aitor Merino (País Vasco, Ecuador | 2013 | 94’)
• Bad Card de Raúl de la Fuente (España, Haití | 2014 | 53’)
• Democracia em preto y branco de Pedro Asbeg (Brasil | 2014 | 90’)
• Five Days to Dance de Rafa Molés y Pepe Andreu (España | 2014 | 79’)
• Hotel Nueva Isla de Irene Gutiérrez (Cuba, España | 2014 | 71’)
• La muerte de Jaime Roldós de Manolo Sarmiento y Lisandra I. Rivera (Ecuador, Argentina | 2013 | 125’)
• Uma passagem para Mário de Eric Laurence (Brasil | 2013 | 77’)

 Largometraje mexicano 

• Café de Hatuey Viveros (México | 2014 | 80’)
• Domar el tiempo de Ángel Estrada (México | 2013 | 75’)
• Eco de la montaña de Nicolás Echeverría (México | 2013 | 80’)
• Entre lo sagrado y lo profano de Pablo Márquez (México | 2014 | 78’)
• Hasta el fin de los días de Mauricio Bidault (México | 2014 | 88’)
• La danza del hipocampo de Gabriela Domínguez (México | 2014 | 86’)
• La hora de la siesta de Carolina Platt (México | 2014 | 83’)
• La primera sonrisa de Guadalupe Sánchez (México | 2014 | 82’)
• Lejanía de Pablo Tamez (México | 2013 | 69’)
• Los años de Fierro de Santiago Esteinou (México, Canadá, EU, Alemania | 2014 | 100’)

 Largometraje para televisión 

• Ben pao de huang hun de Jin Huaqing (China | 2014 | 40’)
• Coach Zoran and his African Tigers de Sam Benstead (Reino Unido | 2013 | 73’)
• Czasem śnię, że latam de Aneta Popiel-Machnicka (Polonia | 2013 | 50’)
• El Ingeniero de Juan Passarelli y Mathew Charles (Reino Unido, El Salvador | 2013 | 93’)
• Ha’shadchanit de Dan Wasserman (Israel | 2013 | 50’)
• Katiyabaaz de Deepti Kakkar y Fahad Mustafa (India | 2013 | 82’)
• Killing Time de Jaap van Hoewijk (Holanda | 2013 | 54’)
• Le chant du cygne de Aurélie Jolibert (Francia | 2013 | 52’)
• Maksimum przyjemnosci de Katarzyna Trzaska (Polonia | 2013 | 48’)
• Sgurot de Liat Mer (Israel | 2013 | 56’)

 Cortometraje internacional 

• Causa Vitae Curriculum Mortis de Lucas Scandura (Brasil | 2014 | 5’)
• El domador de peixos de Roger Gómez y Dani Resines (España | 2013 |  23’)
• Enseguida anochece de Gonzalo Gerardin y María Paula Trocchia (Argentina | 2013 | 13’)
• Être vivant de Emmanuel Gras (Francia | 2014 | 17’)
• Jambo Amani? de Unai Aranzadi (España | 2013 | 30’)
• Kiedy będę ptakiem de Monika Pawluczuk (Polonia | 2013 | 28’)
• Maatalon profeetta de Henrik Mennander (Finlandia | 2013 | 11’)
• Not Anymore. A Story of Revolution de Matthew VanDyke (EU | 2013 | 14’)
• Scars of Cambodia de Alexandre Liebert (Francia | 2013 | 30’)
• The Hearing de Russel Ratt-Brascoupe (Canadá | 2013 | 4’)
• Velsignet være dette sted de Carl Olsson (Dinamarca | 2013 | 29’)
• We Are Become Death de Jean-Gabriel Périot (Francia | 2014 | 4)

 Cortometraje mexicano

• Amateur de Fernando González y Facundo Santiago (México | 2014 | 25’)
• Cabo Pulmo de Manolo Mendieta y Juan Pablo Maturana (México | 2013 | 15’)
• Hotel La Loma de Efrén del Rosal (México | 2013 | 16’)
• Infinite saudades de Emilio Reyes-Bassail (México | 2013 | 20’)
• Madre de Alejandro Díaz (México | 2014 | 15’)
• Mixteco Now de Edson Caballero (México | 2013 | 10’)
• Pie de página de Paola Ovalle y Alfonso Díaz Tovar (México | 2014 | 9’)
• Presencia ausente de Braulio Almanza (México | 2014 | 20’)
• Rey Nayar por el padre Pascual de Emilio Téllez (México | 2014 | 16’)
• Slikebal de Bernardino López (México | 2013 | 19’)

 Doctubre 

• Fervor infantilista de Luis Lupone (México | 2013 | 100’)
• Homo Ciris de Jana Mináriková (Eslovaquia | 2013 | 22’)
• Jestem  wojownikiem de Anna Więckowska (Polonia | 2013 | 46’)
• Kings of the Wind & Electric Queens de Gaspard Kuentz y Cédric Dupire (Francia | 2014 | 56’)
• La larme du bourreau de Layth Abdulamir (Francia | 2013 | 27’)
• Marionetista de Wiktoria Szymańska (Polonia | 2013 | 70’)
• Nenek de Sabdyel Almazán (México | 2014 | 27’)
• Optimistene de Gunhild Westhagen (Noruega | 2013 | 90’)
• Tarzan and Arab de Paul Fischer (Reino Unido | 2014 | 37’)
• Un paraíso de Jayisha Patel (Cuba | 2013 | 14’) 

Purgatorio. Viaje al corazón de la frontera.

Definido como la zona de transición entre el Infierno y el Paraíso, aunque ya desde el anterior papanato Ratzingeriano se haya borrado del mapa del castigo apantallacristianos (¿simplificación administrativa?), el concepto mismo del Purgatorio aun permanece y a partir de esa idea, Rodrigo Reyes presenta un panorama de la frontera mexicana con Estados Unidos, aquella que no solo delimita ambos territorios sino también la existencia de todos quienes viven temporal o permanentemente a su alrededor. Entonces Reyes nos lleva a un recorrido para conocer a quienes buscan cruzar la frontera por enésima vez, o quien ya se ha rendido y prefiere sobrepasar la frontera de su realidad un ratito después del arponazo de heroína, al reportero de nota roja, al cazador de migrantes que los adivina por la basura que dejan detrás (bolsas, ropa, anticonceptivos y ropa interior en el olvido), así como el pastor bautista que deja agua colgada en mochilas para quienes ya han logrado atravesar y continúan su recorrido. Prácticamente es un collage de historias sobre la existencia de cada uno de los personajes abordados, un entramado con el que construye el universo prácticamente desconocido para el resto del país y que Reyes logra presentar con una elegante fotografía el panorama desolador de los lugares que sirven de trampolín para la permanente huida con tal de buscar una mejor vida. La mirada no es condescendiente, se coloca cómodamente en la objetividad y no juzga ni denigra a los personajes, por lo que prefiere ofrecer retratos individuales como eslabones de una gran cadena que define el movimiento alrededor de la frontera, llena de conflictos, inseguridad y que suele ser pasado por alto, tanto así que el instante donde un cadáver yace abandonado en una calle sirve para señalar la falta de empatía de los locales por un desconocido más que pretendía escapar de su realidad. Más adelante, sigue a los trabajadores del antirrábico atrapando perros en las calles y un sacrificio que provoca en todos los espectadores un horror ante la muerte del perrito sin dueño. Es esa mirada impasiva la que confronta al espectador con su compasión inmediata al animal contra la del anterior cadáver en la calle, por el que de seguro no siente la misma compasión. Desde allí, el resto de las historias breves que conforman el documental adquieren otro matiz ya lejano al reportaje amarillista y cumplidor, cimbrando a todo aquel que se deja llevar por Reyes y su equipo en este recorrido por la frontera.

De un momento violento, nace #Cumbres, del director Gabriel Nuncio

Por Sofía Dorantes / Filmofilias.

Y sin embargo, la película Cumbres evade mostrar ese momento violento para dejarse llevar por la inercia de su inevitable eco que lanza a las hermanas Miwi (Aglae Lingow) y Juliana (Ivanna Michel) a un road movie en blanco y negro, emergiendo de la neblina de una madrugada de Monterrey y que tarda en despejarse de la percepción de Miwi durante dos largos días en los que va despertando, pues sus padres solo le ladraron que llevara a su hermana a Querétaro por haber sufrido un cuestionable accidente. La misma Juliana no le menciona nada y menos habla de su novio Santiago, siendo que por otras fuentes se va enterando del terrible caso de “La asesina del norte”.

La deriva de esta road movie deja de lado el sensacionalismo de seguir un caso criminal con la reconstrucción de hechos escabrosos. En todo caso, Miwi reconstruye una conciencia y después las entonces hermanas distantes por fin se vuelven a conectar, pues la vorágine de sus vidas, sus mismas personalidades, la diferencia de edades las había distanciado y la posterior explosión de una historia violenta ahora las conecta, las reencuentra en una huida que sirve para cualquier otra cosa intimista, excepto para una huida efectiva.

Gabriel Nuncio, una breve semblanza del cineasta.

En el 2004 Nuncio coproduce el cortometraje Victoria para Chino de Cary Fukunaga, y en el 2005 comienza la investigación para el guión de Sin Nombre del mismo director. Del 2006 al 2010, Gabriel trabaja en Desarrollo de proyectos en la productora Canana; coescribió el guión Los Herederos de Jorge Hernández, y poco tiempo después fundó Bengala, una agencia de guionistas y periodistas. En el 2013 inicia con su ópera prima Cumbres, “una historia rosa a partir de una nota roja”.

El drama se estrenará en Monterrey y en el Distrito Federal el 7 de agosto de 2014, después de haber estado en FICUNAM, Baja Film Festival, SXSW (Austin) y de ganar el Premio del Jurado Joven durante el Rivera Maya Film Festival (RMFF).

Este film en blanco y negro, escrito y dirigido por el regiomontano, fue inspirado “en un par de líneas, una oración rodeada de detalles obscuros y escabrosos”, el momento violento ocurrido en Monterrey (2006), sobre como el presunto culpable Diego Santoy había escapado hacia Oaxaca.

Después de buscar protagonistas masculinos para su ópera prima se encontró con dos chicas perfectas para ésta, quienes le dan un toque especial a la historia recomendada en especial para el público joven.

Nuncio, logra intrigarnos en varios momentos de la película y el final neblino no es una excepción.

Trailer: 

El debate de la piratería: Más que patas de palo y parches en el ojo (Sundace Stories).

El Equipo de dirección Julia Halperin and Jason Cortlund radicado en Austin.

Posteado por Jason Cortlund y Julia Halperin el 11 de junio, 2014 a as 11:06 a.m.

Jason Cortlund y Julia Halperin son el equipo directivo basado en Austin, Texas, que participó en el Taller #ArtistServices de Austin para un día de páneles alrededor de la tecnología y tendencias en financiamiento, distribución digital y más. Su largometraje debut Now, Forager tuvo su premier en el IFF Rotterdam y en New Directors/New Films. Recibió “Dos pulgares arriba” de Rogert Ebert y una nominación al Premio IFP Gotham para Director de Ruptura. Ellos actualmente están en desarrollo de su segundo largometraje, La Barracuda. 

Actualización: El CEO de Drafthouse Tim League ha prohibido oficialmente los Google Glass en los cines de la cadena en un esfuerzo por combatir las grabaciones clandestinas. 

El último panel del Austin Workshop fue co-titulado “Ideas cortagargantas” y pienso que nos beneficiamos de los panelistas adoptando ese espíritu. Ruth Vitale (Productora Ejecutiva de la coalición antipiratería CreativeFuture), Tim League (fundador de los cines Drafthouse/Distribución de Películas Drafthouse), y Straith Schreder (desarrollador de BitTorrent) parecían lo suficientemente cordiales a primera vista. Pero cuando empezaron a hablar, la discusión fue picante y se puso más caliente. Tal vez no como de un pimiento, pero sí algo por encima del habanero de seguro. Para tratar de recapturar algo de esa magia, vamos a pasar por alto argumentos parafraseados y los revires. 

Jason Cortlund: La piratería es mala. El contenido ilegal genera 250 millones de dólares en ganancias de publicidad de las compañías legítimas cada año (60 millones de visitantes únicos tan solo en Pirate Bay).

CreativeFuture se formó para detener las descargas y streams ilegales, porque sin ello la industria entera colapsará. Y es la culpa de compañías como BitTorrent por desatar esta tecnología de perro infernal sobre los creadores inocentes. La piratería ayuda a los terroristas, capos de la droga y gángsters rusos. ¡Solo digan que no!  

Julia Halperin: “¡Tan solo quiero darles algo de sentido en ustedes, niños!” 

La distribución de Drafthouse Films de El Acto de Matar incluía un bono de paquete de contenido BitTorrent detrás de un puerto por e-mail. Este contenido ha sido descargado unas 3.5 millones de veces –dando acceso a videos, fotos, entrevistas y ensayos incluyendo una discusión de cómo fue recibida la película en Indonesia. El puerto se queda con el contenido, así que entre más se comparta, de hecho se hace más valioso.

La piratería no va a desaparecer, así que este es el modelo que debemos tomar en cuenta –usando la realidad de cómo se comparte el contenido en internet para aumentar el compromiso de la audiencia y, eventualmente, streams con ganancia para los creadores.

Cortlund: ¡No! No puedes detener a los piratas al ponerles una pata de palo y un parche en el ojo (Te estoy viendo a ti, Tim League). BitTorrent no ha hecho nada por combatir la piratería. Los productores solían ganar 8% de sus preventas en España; hoy es 0%. Eso es porque un sorprendente 80% del consumo español de contenido de hoy proviene de la piratería. Tenemos que cambiar la cultura de nuestra infancia de que consumir descargas ilegales de películas y TV destruirá nuestra capacidad de crear contenidos en el futuro.

Cierto, es frustrante cuando escuchas sobre una película genial que acaba de estrenarse en un festival que no tendrá una salida en cines o en digital por meses. Seguro, es tentador cuando, por un par de clics, puedes ver instantáneamente la misma película gratis desde un sitio como Popcorn Time (“La piratería de Netflix” radicado en Argentina). Pero no tan solo te presentas a las puertas de Target y te llevas todo lo que quieras, ¿verdad? ¿VERDAD?

Halperin: Bueno, yo me robé un paquete de chicles cuando tenía siete, así que tal vez soy una mente maestra y un as criminal. ¿Quién lo sabría?

El clásico ejemplo de repensar la estrategia es el In Rainbows de Radiohead. El álbum fue comprado unas 3 millones de veces, dejando que los fans escogieran cuánto pagar le dio a la banda más de lo que ganaban cuando tenían un contrato firmado con una disquera. Straith señaló el punto de manera distinta –que cuando le das a la gente una opción significativa, ellos van a apoyar a los artistas. Y de hecho, la página del blog en BitTorrent de El Acto de Matar incluye ligas para comprar la película completa vía iTunes, en físico o en descarga instantánea.  

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Muy bien, ya estuvo de intercambios. Como muchos en la audiencia, somos partidarios de controlar el contenido sin autorización porque nuestro primer largometraje fue pirateado durante sus presentaciones en cines y en digital. Tal vez más que las ganancias perdidas, tener una audiencia sin identificar puede hacerles difícil para los nuevos artistas lanzar proyectos futuros.  Pero lo que nos llevamos de este panel es que tal vez la piratería es un toro que tienes que montar hacia una solución –no lo puedes combatir para detenerlo. Abajo, vean los clips del Taller de #ArtistServices. 

VALOR UNAM: Concurso de Creación Audiovisual

Desde el 11 de abril hasta el 12 de septiembre de 2014, está abierta la Convocatoria de la Universidad Autónoma Nacional de México (UNAM) del Concurso de Creación Audiovisual Valor UNAM dirigido a estudiantes, académicos, docentes y administrativos de esta institución para crear una obra documental, ya sea en cortometraje o en cineminuto, para que participen promoviendo los valores que la rigen:

• El afán por el saber y experimentar la cultura
• La integridad académica
• La responsabilidad
• El respeto
• La tolerancia
• La igualdad
• La honestidad
• La libertad de expresión
• El compromiso
• La autonomía
• La equidad de género
• La calidad de vida
• La laicidad
• La amistad

“Ibargüengoitia va al cine”, por Javier Ramírez Miranda

En la historia del cine mexicano, hay varias otras historias de escritores que han incursionado con suertes distintas en el terreno cinematográfico, siempre como autores en el terreno del guión cinematográfico desde una obra original o como colaboradores que llegan al auxilio de otros para dar pie a una posterior película. La historia particular de Jorge Ibargüengoitia se inscribe en ese terreno y por medio del libro de Javier Ramírez, gracias al conocimiento de la obra de este autor y la investigación que realizó para este libro, nos enteramos que su caso no es de los más afortunados en el cine mexicano. En un breve pero muy certero libro, Javier nos da a conocer los pormenores que atravesó Ibargüengoitia para entrar en la industria cinematográfica justo cuando esta se encontraba totalmente cerrada a la incursión de nuevos autores fuera de sus estatutos sindicales y en el que Jorge habría de chocar para dedicarse más a desarrollar su carrera literaria que la cinematográfica. Sin embargo, este encontronazo no le impidió seguir disfrutando de su auténtica afición al cine y llegó a volcarla en sus críticas cinematográficas tan directas como despojadas del sopor intelectual que aquejaban a los contemporáneos que se bañaban con lo trabajos de Cahiers du cinema al que el propio Ibargüengoitia culpaba de contaminar una percepción más pura y cercana de lo que el espectador podía encontrar en el cine. 

Jorge Ibargüengoitia

Huicholes - Los últimos guardianes del peyote - Estreno

• El próximo 17 de mayo, en Real de Catorce, Wirikuta, tendrá lugar el estreno mundial del 

largometraje documental argentino-mexicano Huicholes: los últimos guardianes del peyote, 

del realizador Hernán Vilchez. 

• El documental es una historia acerca del Pueblo Wixárika (huichol), cultura originaria en 

Latinoamérica y su lucha contra corporaciones transnacionales mineras por preservar Wirikuta, 

su territorio más sagrado, tierra donde crece el peyote. 

Ante la emergencia del pueblo wixárika (huichol) por defender Wirikuta no solo de su permanencia como cultura, sino ante las amenazas de las mineras transnacionales por prácticamente someter a sus intereses a todas las y los portadores de una cultura ancestral, surgió la necesidad de hacer un documental que registrara la lucha wixárika y que lleva por título Huicholes: Los últimos guardianes del peyote. Dirigido por Hernán Vilchez, quien recibió por petición de las familias wixaritaris la realización del documental, es una producción enteramente independiente que, aparte de ser testimonio mismo de Wirikuta, busca abrirse camino de la forma menos tradicional posible para el cine independiente mismo. Muchas producciones independientes persiguen las fechas de entrega de festivales nacionales e internacionales de cine por ganar un lugar en sus competencias y programaciones, así mismo un espacio de exhibición y difusión. En el caso de Huicholes: Los últimos guardianes del peyote el equipo de producción decidió arrancar con una serie de 5 presentaciones fuera de la exhibición comercial en salas y buscando otros espacios para presentar este trabajo.

Güeros: Triunfadora en Berlín 2014, perdedora en Tribeca 2014.

A finales de febrero de 2014, celebrábamos que Güeros, de Alfonso Ruizpalacios, fue la película mexicana ganadora en la categoría de Ópera Prima de la Berlinale, generando las más grandes espectativas para un largometraje de ficción nacional, detalle que le permitió entrar en competencia para el Tribeca Film Festival y el festival de San Sebastián.

En Berlín, le sucedieron grandes felicitaciones y críticas, aparte del premio. Recién se presentó en el festival de Tribeca y... no le fue tan bien con el público en general. Hablamos de su primera función en Nueva York el 17 de abril del presente y quien estuvo puntual para la función fue la novelista y guionista Malú Huacuja del Toro, quien compartió en su blog la experiencia de ver el estreno en el AMC Loews Village 7 durante el TFF en su Crónica de una noche arruinada:

"(...) Aclaro que iba preparada, pero inicialmente no fui a eso. Acudí, sobre todo, a ver el estreno de Güeros, la ópera prima de Alonso Ruizpalacios que, según había leído en las reseñas y sinopsis, parecía estar hecha en contra de la huelga de la UNAM. Yo fui a que no me contaran qué tal estaba ni de qué hablaba. Y, sobre todo, fui con la esperanza de disfrutar lo que posiblemente fuera una buena película. Motivos había para suponerlo: el Festival Internacional de Cine de Berlín es uno de los más prestigiados del mundo (no como el de San Sebastián ni el de Guadalajara, que aunque hayan mejorado últimamente comenzaron siendo una burla). Como guionista profesional que también soy (o por lo menos, como dicen mis enemigos “fui”) acudí asimismo con la esperanza de que las reseñas hubieran estado mal hechas o mal informadas, o que las sinopsis exageraran esa parte del argumento con fines mercadotécnicos, y que, a pesar de su título, el guion estuviera a la altura de un reconocimiento mundial.  Mi expectativa profesional era, en suma, que el filme galardonado me deslumbrara como hacen las grandes películas, y que ni el tema mismo (aún si fuera uno con cuyo tratamiento político no estoy de acuerdo) pudiera separarse o desarticularse de la magia que crean los grandes."

Nymphomaniac Vol. I en la #56Muestra Internacional de Cine

Un detalle de traducción: 

Acá en México, esta película se llama Ninfomanía Vol. I, que no está del todo mal,

pero haciéndole la justicia debida a la misma y porque se refiere a la historia particular

de su progonista Joe, estarán de acuerdo que se debería llamar Ninfomaníaca Vol. I.

Habiendo mencionado ese detalle, continuemos.

Polissía, en la #56Muestra InternacionalDeCine

Maïwenn Le Besco, como la fotógrafa Melissa Zaia.

En el tercer largometraje de la actriz bessoniana Maïwenn Le Besco (Maïwenn, la call-girl de El perfecto asesino, o la Diva Plavalaguna de El Quinto Elemento) ya en carrera como cineasta (cortometraje Soy una actriz, ’04; los largometrajes Pardonnez-moi, ’06; La bola de actrices, ’09) aborda la vida cotidiana de la pequeña Sección de Protección de Menores de París cuando la reportera gráfica Melissa Zaia (Maïwenn) es asignada a cubrir sus actividades diarias cada que atienden la sobrecogedora cantidad de casos de abusos hacia los menores: pedofilia intra y extrafamiliar, violencia física, prostitución, situaciones de riesgo y todo lo que para sus núbiles ojos nunca antes había conocido, sin inmutarse al encontrar al grupo policíaco que se confronta a la ignorancia básica de los derechos de los infantes por parte de los adultos parisinos. Melissa vive separada de su marido Francesco (Ricardo Scamarcio), quien mantiene la custodia de sus dos hijas pre-púberes y a la que invita a reuniones ocasionales de donde resulta, por recomendación amistosa e influyente, la asignación a este inusual grupo de policías. Basado en diversos hechos reales y filmado al estilo documental en permanente alerta, Maïwenn no solo navega brincando de un caso a otro que se resuelve o queda en suspenso, incursiona en la vida íntima de cada uno de los agentes que tratan de llevar sus caóticas vidas lo mejor posible, como Nadine (Karin Viard) arrastrando su inminente divorcio y quejándose con su compañera de trabajo, la bulímica amargada e imposible de concebir Iris (Marina Foïs), o con un Fred (Joey Starr) ya separado que se ha vuelto hipersensible a los casos de abuso a los menores, conciliando su relación con la hija que le ruega que no se vaya de casa aunque su ex esposa lo corra siempre, o el insidioso pero agachón jefe Baloo (Frédéric Pierrot) en constante conflicto con Beuauchard (Wladimir Yordanoff), el burocratazo director de la Unidad que sabotea cada que puede la operación básica del grupo por intereses jerárquicos “superiores” a ellos.

Ganadora del Premio del Jurado en la Sección Oficial del Festival de Cannes en 2011, Polissía (“Police” en francés pero deformado a “Polisse” por la pronunciación infantil) es un registro de alcance realista e intenso gracias a la capacidad del grupo de actores que interpretan a los agentes, llevados con precisión por Maïwenn en el infierno de todos tan temido y rebasando por mucho la dramatización que algunas series norteamericanas hacen (como La ley y el orden: Unidad de víctimas especiales) sin llegar a ser empáticas con las víctimas con las que se vanaglorian al retratar. Melissa es en la mayor parte del tiempo una silente observadora fotografiando al grupo mientras almuerzan, al interrogar a las y los infantes junto con sus hipócritas victimarios. Dura y sin sensiblerías baratas, desde el guión escrito por la propia Maïwenn junto con la también actriz Emmanuelle Bercot (la agente Sue Ellen), el continuum episódico aunque en rigurosa linealidad temporal de la historia, se sucede en un ritmo frenético que contagia la estresante relación de los agentes en sus discusiones a veces raciales, otras clasistas, la mayoría de trabajo, pero estrechamente unidos e identificados con una misión que impacta la vida propia fuera de la Sección de Protección. Aunque Maïwenn es la más identificable del grupo, no opera como exclusiva protagonista, todo funciona de modo coral y cada personaje destaca con su propia problemática sin colocarlos como justicieros mesíanicos, en todo caso, agentes demasiado comunes chocando en todo momento con una sociedad siempre agresiva hacia la infancia, apenas encontrando válvulas de escape de risa cuando interrogan a una adolescente la razón por la que dio felaciones a un grupo de chavos tan solo para que le regresaran su celular (“Es que era un smartphone”).

El cine en femenino pone en tabla rasa a este grupo de agentes y nunca adopta una posición moralizante y panfletaria hacia ellos o la sociedad parisina que retrata, en todo caso, se indigna y sorprende del abandono en el que la infancia se encuentra así como esta pequeña Sección Especial tan vulnerable a los bandazos del sistema judicial francés.

#FICUNAM2014 Costa da morte, Lois Patiño #CompetenciaInternacional

Cine nuestro que estás en las salas, 

danos el plano general,

seguido del plano medio y del close-up,

perdona nuestra discontinuidad,

así como nosotros perdonamos el fuera de sync,

no nos dejes romper el eje

y líbranos de todo jump-cut.

Amén.

Pero en el otro extremo a esta letanía, la disociación de la cadenita de escala de planos es un terreno que el cine de vanguardia ha estado explorando, ampliando las posibilidades de cada una de las categorías para desarrollar otras capacidades narrativas y no narrativas del cine. El cine contemplativo ha tomado este camino, y extende el tiempo cinematográfico a otros ritmos distintos a los acostumbrados. Finalmente son recursos del lenguaje audiovisual. 

Quizás el caso más extremo que podamos hallar hasta el momento se encuentra en la obra del español Lois Patiño, que desde sus cortometrajes y ahora con su Ópera Prima Costa da morte (Costa de la muerte), elige el plano abierto, stablishing o long shot, como el vehículo ideal para presentar el ominoso paisaje de esta región de Galicia, España, que adquirió su nombre por ser la zona que recibía los restos de todos los naufragios que han sucedido en esa región al norte del Atlántico. En sí, esta película rescata las historias del pasado y sus personajes las evocan: anécdotas de los restos de naufragios, como cajas de bombones de chocolate, latas de leche condensada, ropa y zapatos de otros accidentes siendo arrastrados a la orilla de la costa, incluyendo cadáveres.

#FICUNAM2014 Nuestra Sunhi, de Hong Sang-Soo #Clausura

Cuando el cine habla del cine, lo más común es retratarlo con parte de la parafernalia técnica de la filmación: la cámara, las luces, el boom, la pizarra apareciendo en cada momento y sumergirnos en el instante en que la escena cinemática empieza y corta para regresarnos al cine observado por otra cámara omniescente que es por donde vemos el suceso fílmico. A estas alturas, ya ni siquiera es tan necesario ver esa parafernalia como parte de la escenografía mientras el cine observa el cine (como en Vamos a jugar al infierno, de Sion Sono, donde el equipo técnico y humano son parte esencial de la narración), sino que ya es más que suficiente ver a un director ensayando en su departamento con una actriz  una escena que van a filmar durante un plano secuencia (Cuando la noche cae sobre Bucarest, de Corneliu Porumboiu), o ser testigos de cómo se va creando una película que no se filmó e invita a reflexonar sobre la naturaleza del montaje y la construcción de la memoria (El lapso de vida de un objeto encuadrado, de Aleksandr Balagura) sin ver a la cámara-personaje paseándose en el encuadre. Basta con referirse a la filmación para que el cine mismo sea analizado, criticado, desglosado y hasta burlado desde la propuesta de cada cineasta que reflexiona sobre el medio.

En el caso de Nuestra Sunhi, de Hong Sang-Soo, película con la que clausuró el #FICUNAM2014 y que también ya fue exhibida en otros festivales internacionales, el cine dentro del cine es un delicioso pretexto de Sang-Soo para continuar con sus estudios de carácteres siguiendo las viscitudes de la gente que trabaja en el cine coreano, de modo apacible y sin buscar la crítica directa al medio, sino dando cuenta del comportamiento de los personajes que retrata en esta producción.

Sion Sono nos invita a jugar en el infierno #FICUNAM2014 #PresentacionesEspeciales #56Muestra

Fumi Nikaido como la rebelde diva Mitsuko

Vamos a jugar al infierno es una invitación abierta y gozosa para entrar a un delirante del festín gore yakuza y un irreverente reflexión del fenómeno cinematográfico con rastros de nostalgia y referencias que saltan en todo momento. Narrado desde las perspectiva de Don Hirata (Tatsuya Nakayama), el director wannabe líder de los cineastas amateurs llamados los Malditos Bombarderos (The Fuck Bombers), filman en 8mm sus cortos tontos y después un enfrentamiento callejero, pero el grupo anhela hacer una gran película en ese formato en desuso llamado 35 mm, mientras se reúnen en un cine que ha cerrado y su proyeccionista es a quien adoptan como gurú del destino cinematográfico para que alguna vez lleguen a filmar su gran obra de acción con Sasaki (Tak Sakaguchi), un imitador de Bruce Lee enfundado todo el tiempo en el traje de El juego de la muerte con embarrada Kill-Billense. Por otro lado, la primera en entrar en ese infierno es la pequeña Mitsuko de 10 años de edad (Nanoka Hara) cuando resbala en una alberca de sangre que su madre Shizu (Tomochika) provocó al defender su casa de la banda yakuza enemiga que buscaba a su marido Muto Taizo (el emblemático Jun Kunimura), pero encontraron la muerte a cuchillo limpio. Mitsuko encuentra a un sobreviviente herido, Jun Ikegami (Shinichi Tsutsumi), quien se enamora de ella al reconocerla cuando canta el jingle del comercial de la pasta de dientes que la ha hecho famosa por todo Japón y jura que será una gran estrella... sobre el charco de sangre. Su madre es encarcelada por 10 años y el jefe Muto le promete que al salir, Mitsuko será una gran estrella del cine. 10 años después esa promesa está a punto de no cumplirse. A sus 20 años, Mitsuko (Fumi Nikaido, más impresionante que en Himizu) es una diva rebelde que ha visto truncada su carrera porque se canceló la campaña de la pasta de dientes y ni siquiera la película financiada por su padre la satisface. También para los Malditos Bombarderos esos 10 años han servido sólo para hacer un avance (trailer) de lo que podría ser su gran película de acción. Ante ese panorama y con una inminente guerra entre los grupos yakuza de Ikegami y Muto, este último se preocupa por recuperar a Mitsuko y que regrese a la película que abandonó porque faltan unos días para que su madre salga de prisión y anhela verla convertida en la estrella de cine de Japón.

#FICUNAM2014 El lapso de vida del objeto encuadrado (Película de una película aún no filmada)

El título, sobre todo el segundo, sugiere que presenciaremos un documental, un making of de lo que iba a ser una película pero en realidad se convirtió en otra cosa. Entonces esa otra entidad que es El lapso de vida del objeto encuadrado más que ser un documental, es una película ensayo, una reflexión de la naturaleza del cine durante el proceso de ser una cosa acabada llamada película. El punto de partida son una serie de fotos que el mismo cineasta Aleksandr Balagura tomó de forma azarosa durante una visita a un mercado ruso. A partir de allí fundamenta la reflexión y la construye con una serie de escenificaciones con actores que también empiezan a conversar sobre el montaje afirmando que, más que nada, el montaje cinematográfico es una manipulación: del orden de las imágenes, del sonido, para obtener un sentido que termina de armarse en el espectador. Al respecto, Balagura afirma: “Al elegir la fotografía como material y la memoria como guía, inevitablemente nos encontramos en un laberinto, el de nuestra memoria y el que otros generan. Al buscar salir de este laberinto, nos convertimos en el material por nuestros propios términos”. Y entonces, la reconstrucción de la película aun no filmada, vaga por un laberinto escenificado con las fotografías ampliadas cercando el recorrido de los actores ensayando diálogos y soltando reflexiones sobre el cine. “Godard es hijo de (André) Bazin”, afirman y recuerdan el experimento de Kulechov sobre montaje-significado. La falta de linealidad de esta obra se apoya con la repetición de los Estudios del movimiento de Muybridge (la paloma aleteando, la pareja de mujeres desnudas bailando, la carrea del caballo o el perro corriendo), así como las fotografías de los personajes en el mercado y las tomas cerradas de adornos religiosos kitsch, siempre encuadrando la vida de los objetos y los sujetos.

#FICUNAM2014 Historia de mi muerte, de Albert Serra #CompetenciaInternacional

Casanova ha sido uno de los personajes consentidos de la literatura y el cine. Nos podemos remitir a la versión de la dupla Fellini/Sutherland y un desfile de variantes que giran alrededor del seductor más famoso de la historia, al menos de la occidental que nos toca. Pero la Historia de mi muerte no gira en torno a la erotomanía y mucho menos voyeuriza los encuentros con las damas de ocasión. Abunda en su gusto por la literatura (“Voltaire corre por mi sangre”), el gusto por la conversación con poetas hábiles en el verso pero torpes para seducir (“Yo no seduzco, ofrezco mis servicios a las damas para que se sirvan a través mí”) en secuencias minimalistas que arrancan con el invierno del seductor, quien come granadas al por mayor, hunde su rostro en el trasero de una amante joven (“Estás llena de chocolate”) y se ríe a solas mientras busca tiempo para escribir sus memorias. Es una presentación atípica del seductor por excelencia.

#FICUNAM2014 Cuando la noche cae sobre Bucarest o Metabolismo #CompetenciaInternacional

Paul y Alina, el Director y la Actriz Secundaria de una película en filmación, se escabullen en el carro Cuando la noche cayó sobre Bucarest para atender el impulso de sus Metabolismos, pero conversan sobre la necesidad de hacer una escena de desnudo de Ali en una secuencia próxima a filmarse. “Me lo vas a agradecer en el futuro cuando te veas a los 50 años” dice con seguridad e ironía Paul, “Yo me siento muy cómoda con mi cuerpo”, responde Ali evitando contestar la llamada insistente de su esposo. Este plano secuencia inicial que discurre sobre el paso del tiempo en los personajes y sus quehaceres (“¿Alguien verá tus películas después?”), deriva en la puntualización que hace el director sobre filmar en celuloide con los rollos de 35 mm que duran apenas 11 minutos a filmar en formato digital. “El límite influye en cómo resuelves la película”, afirma, pero eso es un tecnicismo para la actriz, no imagina cómo puede afectar su trabajo. Para el Director esa diferencia es de vital importancia, ya que tiene que armar sus plano secuencias dentro del ineludible límite de un rollo de 35 mm, o extenderlas a placer en el formato digital. 

Se levanta el viento, de Hayao Miyazaki #FICUNAM2014

Por @rufianmelancoli

Cuando en septiembre de 2013 Hayao Miyazaki anunció su retiro como director de cine con la película Se levanta el viento (Kaze Tachinu), además de dejar atónitos a los periodistas del Festival de Venecia otorgó claves para interpretar éste, su testamento fílmico. No todos los grandes directores de cine pueden darse el lujo de hacer una última película con la conciencia de que funcione como epílogo, cierre o mensaje final de su obra; aunque también se corre el riesgo de crear un producto melancólico o anquilosado, propio de una vejez que evoca en lugar de provocar el movimiento (o revisen esa triste La voz de la luna de Fellini, película que siempre parecía estar incómoda con el cine que se exhibía en ese momento -1990- y con la obra del propio cineasta).  ¿Cómo operaría Se levanta el viento en el potente universo del demiurgo japonés de héroes, mascotas, sueños, brujas, castillos y ritos de paso?

Desde las coordenadas de “última obra”, no debe extrañar que Se levanta el viento sea un biopic: la vida del ingeniero aeronáutico Jiro Horikoshi, creador de los aviones de caza Zero que atacaron Pearl Harbor durante la Segunda Guerra Mundial, en 1941, año del nacimiento de Miyazaki. Es decir, que el mejor momento creativo del ingeniero Horikoshi ocurre cuando el futuro dibujante y cineasta vive sus primeros meses de vida. ¿Como si se tratara de un pase de estafeta? Pero acá se vuelve peligroso el supuesto, en tanto Miyazaki se ha reconocido como un pacifista y ecologista constante, ¿de dónde viene el interés de dibujar la vida de un hombre que diseñó aviones para la guerra y la muerte?

#FICUNAM Retrospectiva del 1er. Concurso de Cine Experimental (1965): Un testimonio de Jorge Ayala Blanco

Parte de las actividades del Ficunam 2014: se presenta el ciclo sobre el Primer Concurso de Cine Experimental de 1965, con las seis películas finalistas: La ganadora, La fórmula secreta de Rubén Gámez, el segundo lugar que recayó en En este pueblo no hay ladrones de Alberto Isacc, Amor, amor, amor, compilado de mediometrajes dirigidos por Benito Alazraki, Miguel Barbachano Ponce y José Luis Ibañez; Amelia de Juan Guerrero, Los bienamados, con mediometrajes de Juan José Gurrola y Juan Ibañez, Llanto por Juan Indio, de Rogelio González Garza y El viento distante, con mediometrajes de Salomón Laiter, Manuel Michel y Sergio Véjar.

Le preguntamos al crítico Jorge Ayala Blanco sobre su experiencia en el Primer Concurso de Cine Experimental de 1965 y nos cuenta alguna de las consecuencias del concurso. Una historia truculenta que ocurre en tiempos del lopezportillismo:

#HayaoMiyazaki inaugura el 4º FICUNAM con “Se levanta el viento"

El jueves 27 de febrero, la más reciente película de Hayao Miyazaki (que él anunció como su última obra) inaugura la cuarta edición del #FICUNAM. Además de la programación que explora territorios distintos a la animación, esta presentación especial es relevante por lo que representa Miyazaki, una tradición del anime japonés con una filosofía única como rasgo en común en toda su filmografía: la tensión entre la vida sencilla y el imparable impulso del progreso tecnológico.

Con toda una legión de otakus que adoraría treparse a la escoba voladora de Kiki: entregas a domicilio, que añora tener a un vecino como Mi amigo Totoro, eventualmente corretear las pisadas del Castillo vagabundo, y ¡pf! hasta ser la mismísima Princesa Mononoke, la película Se levanta el viento promete ser una más de las favoritas de los fans. Es una historia épica basada en la vida Jiro Horikoshi, el genio aeronáutico que diseñó el mortal avión Zero japonés de la Segunda Guerra Mundial; el tono elegíaco logra ser una culminación adecuada para la carrera de 50 años de Miyazaki, como para merecer la nominación al Óscar como Mejor Película Animada (que ya ganó en el año 2002 con Spirited Away).

Pero desde el Festival de Venecia, en aquella conferencia de prensa dedicada a El viento se levanta, no se sabía la razón concreta del retiro de Miyazaki. Ahora, a sus 73 años, ya ha explicado por qué deja los largometrajes animados: "Era lo máximo que podía dar para producir una película animada. El trabajo en la animación es una labor de construir con ladrillos y cemento, y más ladrillos y cemento. Sentí que ya no iba a ser capaz de poner otro ladrillo".

Regresa "Camelia La Texana", de manos de Carlos Bolado

por Claudia Almanza Blix (@CBlix @CINEMABLIX13 +CINEMABLIX)

Está por estrenarse la serie “Camelia La Texana” y Claudia Almanza Blix se apresuró a contactar al director Carlos Bolado para que le platicaraa los pormenores de la producción.

CLA: ¿Cuándo se estrena la Serie “Camelia la Texana”?

CB: Se estrena el 25 de Febrero en Estados Unidos, y en México un mes después. Yo creo que en Estados Unidos le va ir bien porque le han hecho mucha publicidad porque están “Los tigres del Norte”, hay espectaculares en Los Ángeles y en San Francisco, en Dallas, San Antonio, Chicago que hay población mexicana y que tienen buena respuesta a “Telemundo”.
La idea de Epigmenio (Ibarra)fue hacer esto más como una cosa cinematográfica. Es una coproducción de “Argos” y “Campanario” que es la productora de Nueva York, y “Telemundo”.


CLA: ¿Cómo llegas a este proyecto?


CB: Me llama Epigmenio Ibarra en Junio, yo estaba preparando otras cosas, escribiendo, haciendo lo mío, y tenía que mezclar la película que hice en Bolivia "Olvidados". Me ofreció este proyecto y le dije que encantado, que sí me interesaba hacerlo y tener este ritmo de trabajo, estar 5 meses metido en esto, desarrollando más líneas narrativas contando una historia de muchos personajes que van desarrollando su trama, eso está interesante. También la dinámica de trabajar tan rápido, resolver problemas, de hacer menos tomas y ser más puntual de ver lo que están contando en el cuento y resolver. Siento que es como una escuela de Fisioculturismo para un director. 
Esta semana es la onceava y hemos trabajado de 14 a 16 horas de Lunes a Sábado. Estás como haciendo 2 películas y así sigues como 5 meses.


#AlanBerliner Retrospectiva, Seminario, y el Documental mismo.

Alan Berliner en la Cineteca Nacional.

Alan Berliner como otros tantos cineastas, han sido testigos del crecimiento del movimiento documental mexicano, que no solo lo ha hecho en número, sino en calidad temática y formal. Por lo mismo, Alan buscaba participar en la reciente edición del Festival de Cine Documental DOCSDF, pero en esas fechas se encontraba de viaje y no le fue posible. Este 14 de febrero, pudo más el amor y el trabajo de todo un equipo multifestivalense (DOCSDF, Ambulante, Cátedra Bergman) para hacer posible que Alan Berliner llegara derrapando del Aeropuerto a la Cineteca Nacional y dar inicio a su retrospectiva, previa conferencia de prensa.

“Ya había hecho algo de investigación sobre su festival y lo que estaba sucediendo en la Ciudad de México, y debo decirles que es muy, muy interesante. Aparte del hecho de que nunca había estado en México, la invitación a venir a presentar mi trabajo fue muy emocionante y algo que buscaba que sucediera, así que me sentí muy honrado al venir a compartir la restrospectiva, estoy muy feliz de estar aquí. Y estoy agradecido de que se lleve a cabo en la Cineteca Nacional.”

“Así como voy viajando por los festivales del cine del mundo, cada vez más ocasiones me encuentro con cineastas latinoamericanos y de México, entonces definitivamente algo está sucediendo aquí. No solo me emociona mostrar mi trabajo aquí, sino también los seminarios que impartiré el lunes y martes, compartir mi trabajo y mis pensamientos, pero también para aprender de la gente acerca de México, de sus intereses y de lo que traigan a la conversación como cineastas y amantes del cine que son. Estoy muy ansioso para empezar, y eso que tuve un viaje de 5 horas y ni siquiera estoy sufriendo de jetlag.”

Sobre el seminario de Alan Berliner

Hice un poco de correspondencia por email con Inti sobre lo que discutiríamos en el seminario, pero de alguna manera depende de quiénes estén en el encuentro, yo espero que se encuentren estudiantes de la universidad, jóvenes cineastas, y estaré feliz de compartir algo de mi experiencia como cineasta, consejos que pueda dar acerca de la realización, cosas que he aprendido, errores que he cometido y de los que he aprendido, enseñar partes de mis películas que ojalá pueda ilustrarles algunas cosas que les pueda ayudar como jóvenes cineastas. Por ejemplo, recientemente escribí un fragmento de consejos que podía dar a los jóvenes cineastas, puede ser apenas del tamaño de una página, pero creo que si discutiera cada uno de los puntos, que son 10 ó 30 consejos distintos, podría tomarme unas horas poder ilustrar y dar una emoción profunda que reside detrás de cada uno de los puntos. Estoy aquí para enseñar, para compartir, estoy aquí para platicar, dialogar, y también para aprender. También para salir con una comprensión más profunda de la Ciudad de México y del ambiente de la comunidad fílmica de aquí, de la Cineteca Nacional, y regresar a casa para contar mi historia a mis amigos de la comunidad fílmica de la ciudad de Nueva York.